นาฏศิลป์

เต้นรำเป็นท่าทางที่แสดงออกหรือรูปแบบนามธรรม

การถกเถียงในตะวันตก

ในประเพณีการละครตะวันตกการเต้นบัลเลต์และโมเดิร์นโดยเฉพาะการปะทะกันที่เกิดขึ้นบ่อยที่สุดเป็นคำถามของการแสดงออก โดยทั่วไปแล้วการแสดงละครมักแบ่งออกเป็นสองประเภท: การแสดงที่เป็นทางการล้วน ๆ หรืออุทิศให้กับความสมบูรณ์แบบของสไตล์และการแสดงความสามารถและสิ่งที่น่าทึ่งหรือทุ่มเทให้กับการแสดงออกของอารมณ์ความรู้สึกตัวละครและการเล่าเรื่อง ในต้นบัลเล่ต์ของฝรั่งเศสและอิตาลีในช่วงศตวรรษที่ 16 และ 17 การเต้นรำเป็นเพียงส่วนหนึ่งของแว่นตาขนาดใหญ่ที่เกี่ยวข้องกับการร้องเพลงการท่องบทเพลงดนตรีและการออกแบบเวทีที่ซับซ้อน แม้ว่าแว่นตาดังกล่าวจะถูกจัดระเบียบอย่างหลวม ๆ รอบเรื่องราวหรือรูปแบบการเคลื่อนไหวการเต้นของตัวเองเป็นส่วนใหญ่อย่างเป็นทางการและประดับด้วยเพียงช่วงที่ จำกัด มากของท่าทางละครใบ้ที่จะถ่ายทอดการกระทำ เมื่อการเต้นของตัวเองมีคุณธรรมมากขึ้นและบัลเล่ต์ก็เริ่มปรากฏเป็นรูปแบบการแสดงละครที่เหมาะสมความกล้าหาญทางเทคนิคของนักเต้นกลายเป็นจุดสนใจที่สำคัญ บัลเล่ต์ได้พัฒนาเป็นคอลเล็กชั่นชิ้นส่วนสั้น ๆ ที่สอดเข้าไปเกือบจะเป็นแบบสุ่มเข้าไปในโอเปร่าที่ไม่มีหน้าที่อื่นนอกจากแสดงทักษะของนักเต้น ใน Lettres sur la danse et sur les ballets (1760; จดหมายเกี่ยวกับการเต้นและบัลเล่ต์) Jean-Georges Noverre นักออกแบบท่าเต้นชาวฝรั่งเศสผู้ยิ่งใหญ่และหัวหน้าบัลเล่ต์แสดงความเสียใจต่อการพัฒนานี้ เขาแย้งว่าการเต้นนั้นไม่มีความหมายเว้นแต่ว่ามันจะมีเนื้อหาที่น่าทึ่งและแสดงออกและการเคลื่อนไหวนั้นควรจะเป็นธรรมชาติมากขึ้นและรองรับการแสดงออกที่กว้างขึ้น:“ ฉันคิดว่า.. งานศิลปะนี้ยังคงอยู่ในวัยเด็กเพียงเพราะเอฟเฟกต์นั้นมี จำกัด เช่นเดียวกับดอกไม้ไฟที่ออกแบบมาเพื่อทำให้ดวงตาดูอิ่มเอม… ไม่มีใครสงสัยพลังของการพูดกับหัวใจ”

ในช่วงระยะเวลาที่โรแมนติกของบัลเล่ต์ที่ยิ่งใหญ่ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ความฝันของบัลเล่ต์ที่มีต่อบัลเล่ต์ในตอนนี้เป็นรูปแบบศิลปะอิสระที่สมบูรณ์ แต่ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 ความสำคัญที่ยึดติดกับความมีคุณธรรมที่ค่าใช้จ่ายในการแสดงออกได้กลายเป็นปัญหาอีกครั้ง ในปี 1914 Michel Fokine นักออกแบบท่าเต้นชาวรัสเซียโต้เถียงกันเรื่องการปฏิรูปในแนวเดียวกับ Noverre โดยอ้างว่า“ ศิลปะของบัลเล่ต์รุ่นเก่าหันหลังให้กับชีวิตและ.. ปิดตัวเองในวงกลมแคบ ๆ ของประเพณี” Fokine ยืนกรานว่า“ ท่าทางการเต้นและการเลียนแบบไม่มีความหมายในบัลเล่ต์เว้นแต่ว่าพวกเขาจะทำหน้าที่เป็นการแสดงออกของการกระทำที่น่าทึ่งและพวกเขาจะต้องไม่ถูกใช้เป็นเพียงการเบี่ยงเบนความบันเทิงหรือความบันเทิงเท่านั้น

นอก บริษัท บัลเล่ต์ผู้แสดงการเต้นรำสมัยใหม่ในยุโรปและสหรัฐอเมริกาก็โต้เถียงกันว่าบัลเล่ต์ไม่ได้แสดงชีวิตและอารมณ์ภายใน แต่อย่างใดเพราะเรื่องราวของมันเป็นจินตนาการในวัยเด็กและเทคนิคของมันนั้นเกินกว่าจะแสดงออกได้ มาร์ธาเกรแฮมผู้ซึ่งมีความมุ่งมั่นในเนื้อหาที่น่าทึ่งนั้นบ่อยครั้งที่เธออ้างถึงงานเต้นรำของเธอเป็นดราม่าสร้างรูปแบบการเคลื่อนไหวใหม่เพื่อแสดงสิ่งที่เธอเห็นว่าเป็นสภาพจิตใจและสังคมของคนสมัยใหม่:“ ชีวิตในทุกวันนี้ และซิกแซก มันมักจะหยุดกลางอากาศ นั่นคือสิ่งที่ฉันตั้งเป้าไว้สำหรับการเต้นรำของฉัน รูปแบบบัลเลต์เก่าไม่สามารถให้เสียงได้”

ในทศวรรษที่ผ่านมาระหว่างสงครามโลก, เกรแฮม, แมรี่วิกแมนและดอริสฮัมฟรีย์ได้จัดตั้งโรงเรียนสอนการเต้นรำสมัยใหม่ Expressionist ซึ่งมีลักษณะที่โดดเด่นด้วยหัวข้อที่จริงจังและการเคลื่อนไหวที่น่าทึ่งอย่างมาก นักออกแบบท่าเต้นคนอื่น ๆ เช่น Merce Cunningham และ George Balanchine แย้งว่าความกังวลอย่างใกล้ชิดกับการแสดงละครอาจขัดขวางการพัฒนาของการเต้นเป็นศิลปะ Balanchine เป็นที่ถกเถียงกันอยู่ว่า "บัลเล่ต์เป็นศิลปะที่มีรูปแบบที่หลากหลายซึ่งไม่ควรเป็นนักเขียนการ์ตูนที่น่าสนใจที่สุดแม้แต่แหล่งที่มาหลักวรรณกรรมที่มีความหมายมากที่สุด บัลเล่ต์จะพูดเพื่อตัวเองและเกี่ยวกับตัวเอง” ผลงานของนักออกแบบท่าเต้นเหล่านี้เน้นโครงสร้างที่เป็นทางการและการพัฒนาท่าเต้นมากกว่าการพล็อตตัวละครหรืออารมณ์ ส่วนหนึ่งเป็นผลมาจากอิทธิพลของพวกเขา "นามธรรม" หรือที่ไม่มีพล็อตเรื่องบัลเล่ต์กลายเป็นที่นิยมในหมู่นักออกแบบท่าเต้นในช่วงทศวรรษหลังสงครามโลกครั้งที่สอง